Fino al 9 luglio 2017 si può visitare al MUDEC – Museo delle Culture di Milano la mostra “Kandinskij, il cavaliere errante. In viaggio verso l’astrazione”, curata da Silvia Burini e Ada Masoero.
Doppio viaggio
Come spiega il testo introduttivo, l’esposizione racconta un duplice viaggio. Il primo, reale e fisico, lo compì Kandinskij quand’era all’università per visitare il governatorato di Vologda. Le emozioni che provò in quell’esperienza lo segnarono profondamente, tanto da essere rintracciabili in tutta la sua opera artistica, anche in quella della piena maturità.
Il secondo viaggio, invece, è ideale, interiore. Si tratta del percorso compiuto dall’artista dalla pittura figurativa all’astrazione. Non fu un itinerario lineare, bensì pieno di ripensamenti e improvvisi scatti in avanti.
Il percorso espositivo è ben organizzato e sorprende i visitatori: le curatrici, infatti, non hanno selezionato soltanto opere d’arte realizzate da Kandinskij, ma anche oggetti di vita quotidiana, stampe popolari, icone religiose, tessuti e vesti tradizionali.
Oggetti di vita quotidiana
Ad attirare l’attenzione nella prima sala, per esempio, sono i bauli in legno dipinto e metallo forgiato. Provengono dalla regione di Vologda e risalgono alla fine del XIX e agli inizi del XX secolo. Li ha prestati il Museo Panrusso delle Arti Decorative, delle Arti Applicate e dell’Arte Popolare di Mosca.
Nelle teche sono esposti anche altri oggetti per la casa, prevalentemente realizzati in legno, come mestoli per bere, in legno dipinto e cesellato e battitappeti anch’essi in legno scolpito e dipinto; un candeliere, un candelabro a tre bracci e una scatola cilindrica in corteccia di betulla dipinta.
E poi stampini in legno intagliato con intarsi in metallo e acconciature da donna in cotone ricamato con fili d’oro e d’argento; asciugamani in lino ricamato a punto croce con filo di cotone rosso, con particolari realizzati all’uncinetto dai motivi stilizzati (chiesette, persone in preghiera, cavalieri)
ll cavaliere
Al centro della seconda sala è esposta l’opera – icona della mostra: “Il cavaliere (San Giorgio)”, dipinto a olio su cartone nel 1914-15, uno dei capolavori custoditi dalla Galleria Tret’jakov della capitale russa. Il tema del cavaliere è uno dei preferiti dell’artista, la cui passione per il soggetto risale alla primissima infanzia, come ha raccontato lui stesso.
L’opera è messa a confronto diretto con una magnifica icona di un anonimo pittore degli inizi del XVI secolo raffigurante San Giorgio e il drago, ma anche con giocattoli in legno a forma di cavallo e con stampe popolari. L’universo di colori e immagini che Kandinskij ha assorbito durante i primi anni di vita riemerge in ogni opera, anche quando l’artista vira verso l’astrazione.
Nel percorso si può seguirne l’evoluzione, dalla veduta del porto di Odessa dipinta nel 1898 (nessuno vi riconoscerebbe un “Kandinskij”!) alla “Composizione colore”, un acquerello su carta del 1920, passando per lo spettacolare “Paesaggio invernale I” del 1909 e la fantasmagorica veduta della Piazza Rossa di Mosca del 1916.
Didascalie:
- Vasilij Kandinskij
Il cavaliere (San Giorgio), 1914-15
Olio su cartoncino, cm 61 x 91
Mosca, Galleria Tret’jakov
© State Tretyakov Gallery, Moscow, Russia - Una vetrina nella prima sala della mostra
MUDEC
Museo delle Culture
via Tortona 56
Milano
Da secoli Cremona intrattiene un intenso rapporto con la musica. Il legame è destinato a diventare ancora più stretto quest’anno, in occasione di un anniversario molto importante: ricorrono infatti i 450 anni della nascita del compositore Claudio Monteverdi, uno dei figli più celebri della città.
Impossibile non soffermarsi sulle decorazioni della Tromba naturale “annodata” (del 1585), con i medaglioni a traforo con lo stemma del ducato di Baviera sostenuto da leoni rampanti, mentre il trombone tenore del 1579 è un vero e proprio gioiello, così descritto nel catalogo:
Fino al 23 luglio si può visitare la doppia mostra “L’emozione dei colori nell’arte”. Dove? Al Museo d’Arte Contemporanea al Castello di Rivoli (TO) e alla GAM Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino.
Approfondiranno per esempio le opposte teorie di due giganti come Isaac Newton e Johann Wolfgang Goethe: il primo ha scoperto che i colori corrispondono a specifiche onde elettromagnetiche (nei primi anni del Settecento riuscì a operare la scomposizione del raggio solare nei colori dello spettro), mentre lo scrittore tedesco, sosteneva che i colori non sono oggettivi perché sono prodotti dalla nostra mente.
In effetti alla GAM di Torino i colori sono già sulle scale e va detto che un poco danno le vertigini: è meglio dunque appoggiarsi al corrimano! I colori, soprattutto se mescolati e moltiplicati in infinite combinazioni, possono infatti disorientare.
Molto più lineare, invece, il percorso al Castello di Rivoli. Qui tra le prime opere esposte si nota il quadretto raffigurante un limone giallo dipinto da Édouard Manet nel 1880, idealmente accostabile all’asparago dello stesso pittore in 
Il percorso espositivo
E lo stesso Stevens che ha dipinto una madre povera con i suoi figlioli arrestata dai gendarmi per vagabondaggio ha ritratto una bella donna che si rilassa nella sua vasca da bagno, fissando la sua attenzione sui particolari, come il portasapone a forma di conchiglia e il rubinetto a collo di cigno.
Il “Vaso di fiori” di Henri Fantin-Latour “dialoga” con i “Fiori in un vaso di cristallo” di Manet, mentre il “Mazzo di fiori su una sedia” di Renoir si confronta con il “Ramo di peonie bianche e cesoie” dello stesso Manet.
Soltanto 17, però, sono stati realizzati da Manet: gli altri portano la firma di altri maestri della pittura a lui contemporanei, da Cézanne a Degas, da Monet a Gauguin, da Renoir a Boldini.
Curata da Luca Chistè, è dedicata alle condizioni delle donne nepalesi (“maheela” significa “donna” in nepalese). Aperta al pubblico dal 12 marzo al 28 aprile 2017.
Meret Oppenheim è più celebre come modella e musa ispiratrice, ma l’esposizione vuole riportare all’attenzione del pubblico il suo talento d’artista, mettendo la sua opera in dialogo con quella di colleghi del calibro di Man Ray, Marcel Duchamp e René Magritte.
Il terzo “Dialogo” voluto dal nuovo direttore della Pinacoteca di Brera, James M. Bradburne è centrato attorno a uno dei capolavori del Museo: la “Cena in Emmaus” di Michelangelo Merisi detto il Caravaggio.
In Campo Marzio a Roma Caravaggio uccise il rivale e dovette fuggire dalla città per rifugiarsi nei feudi della famiglia Colonna. In questa prima sosta dipinse, secondo le fonti, una “Cena in Emmaus” e una “Maddalena in estasi”. La prima opera è il capolavoro conservato a Brera, acquistato nel 1939 dagli Amici di Brera e donato alla Pinacoteca. Questa piccola mostra è anche un sentito omaggio all’Associazione nel novantesimo anniversario della sua fondazione.
Per seguire le vicende di questi dipinti è molto utile la guida edita da Skira che contiene un saggio del curatore Nicola Spinosa dedicato alla questione dell’attribuzione. È una storia di versioni, copie, originali andati perduti e (forse) miracolosamente ricomparsi. Spinosa è propenso a credere che la tela “Giuditta taglia la testa di Oloferne”, ritrovata nella soffitta di una dimora di Tolosa sia la versione originale dipinta attorno al 1606-1607 da Caravaggio.![Katsushika Hokusai, La [grande] onda presso la costa di Kanagawa](http://www.buystyle.it/blog/wp-content/uploads/2016/09/katsushika-hokusai-grande-onda.jpg)
A centocinquanta anni dalla firma del primo Trattato di Amicizia e di Commercio tra l’Italia e il Giappone (1866), Milano rende omaggio all’arte nipponica con una grande mostra che si annuncia come appuntamento imperdibile per la parte finale dell’anno (chiuderà i battenti il 29 gennaio 2017). S’intitola Hokusai Hiroshige Utamaro.
Appartengono all’epoca Edo (1615-1868), durante la quale il Paese del Sol Levante godette di una lunga pace raggiunta dopo che la famiglia Togukawa aveva sconfitto i rivali e messo fine alle guerre intestine che avevano dilaniato il Giappone.
Difficile staccarsi dalle splendide silografie (in particolare da quelle che ritraggono cascate e ponti): ciascuna va gustata con calma per poterne apprezzare appieno tutti i dettagli, dagli abiti tradizionali, al fogliame degli alberi, alle abitazioni e agli animali che popolano cielo, terra e acque.
Realizzate da Hiroshige, raffigurano trasportatori alle prese con carichi ingombranti, traghetti e imbarcazioni, fiumi da attraversare, momenti di sosta e paesaggi da cartolina… anzi: da silografia!
Di Utamaro si ammirano in mostra alcuni dei celebri ritratti femminili, per la realizzazione dei quali studiava con attenzione i dettagli degli abiti, le acconciature e gli sguardi. Che catturano ancora dopo oltre due secoli.